top of page
Proyecto de Representación Visual ALM
Donar
Colocando impresiones de arte visual en las manos y hogares de niños negros y latinos (desde recién nacidos hasta el 12.º grado).
Acerca de
VRP
Why Visual Art Prints?
Representar voces diversas en el arte es crucial, especialmente para los niños negros y latinos. Las investigaciones demuestran de manera constante que la exposición al arte visual mejora las capacidades cognitivas, fomenta la creatividad y promueve las habilidades de pensamiento crítico en los niños. Cuando se trata de representación, no se trata solo de estética, se trata de afirmar la identidad e inculcar un sentido de orgullo.
Los estudios indican que los niños que se ven reflejados en el arte desarrollan una mayor autoestima y un sentido más fuerte de identidad cultural. Lamentablemente, históricamente ha habido una falta de representación de artistas negros y latinos en el arte convencional, lo que puede hacer que estas mentes jóvenes se sientan marginadas.
Al poner el trabajo de 12 talentosos artistas visuales negros y morenos en las manos y hogares de 500 niños, el "Proyecto de Representación Art Like Me" está abordando activamente esa brecha. En un mundo donde la diversidad debe ser celebrada, el proyecto "Art Like Me" no se trata solo de poner arte en las paredes; está creando ventanas hacia un mundo donde cada niño negro y moreno puede verse a sí mismo como artista, creador y contribuyente al rico tapiz de la expresión humana.
Artistas inaugurales de ALM
Gerardo Castro
(n. 1968 - f. 2024) Combinando la pintura al óleo con aplicaciones de técnicas mixtas, Gerardo Castro crea constelaciones de maravillosas figuras
brillantes, inconfundiblemente negras y enfáticamente marrones en entornos espiritualmente
cargados. Sus pinturas son en cierto sentido íconos o puertas a lo sagrado: manifestaciones visuales atemporales
que sirven como portal al mundo creativo del artista. Cuando miras un ícono, tiene como objetivo hacerte
consciente de que estás en presencia de alguien sagrado. Tener imágenes que se parezcan a nosotros, nos honren,
nos reflejen, nos recuerden que somos sagrados.
Gerardo Castro (n. 1967 - f. 2024, Ponce, Puerto Rico, vive y trabaja en Newburgh, NY) recibió un MFA del
Pratt Institute, Brooklyn, NY (1997). Castro ha expuesto a nivel nacional e internacional, incluyendo
Cuba, Puerto Rico, República Dominicana, Budapest y las principales ciudades de Estados Unidos. Se han organizado exposiciones individuales y colectivas en las siguientes muestras de arte, galerías y museos seleccionados: Toxic Landscapes,
Biblioteca Nacional, La Habana, Cuba. Body, Bodies, Bodies SOMArts Cultural Center, San Francisco, CA.
Past, Present, Pa’ Lante, Museo de Historia de Ponce, Puerto Rico.
Contemporary Directions: Niger to Afrofuturism, Westfield State University, Westfield, MA. Water, Air, Earth, Fire - Dual Art Gallery, Budapest, Hungría. Art as RE-Existence: The Afro Puerto Rican - Museo de Historia, Antropología y Arte, San Juan, Puerto Rico. Exposición Back To School 2023-2024- Kube Art Center Beacon, NY.
Próxima exposición individual en 2024: Evidence of Things Not Seen: Buckham Gallery, Flint Michigan.
Artista participante de la 24ª Bienal de La Habana, 2024 (La Casa de África).
Publicaciones recientes, entrevistas y retiro artístico: La obra de Castro aparece en el premiado documental de formato corto Faith in Blackness de 2023, que profundiza en el vibrante tapiz de experiencias afrolatinas que exploran la espiritualidad, la fe, la resiliencia y el poder de la comunidad. Conferencista presentador en Cumbre Afro - marzo de 2024, San Juan, Puerto Rico. Verano de 2023, Artista destacado y orador del Tercer Coloquio y Seminario Internacional Tema: Regímenes visuales de esclavitud y sus vidas posteriores en el Caribe (El caso puertorriqueño). 25 de enero de 2023, Arte negro en Puerto Rico: 10 artistas afropuertorriqueños en la diáspora. Abril - mayo de 2021, Artista participante en el retiro virtual de artistas DEAR (Digital Evolution Artist Retention) en el Centro Cultural del Caribe Instituto de la Diáspora Africana (CCCADI) Nueva York, NY.
AFROTAINO 2021, Spotlight: Gerardo Castro - artículo en línea.
brillantes, inconfundiblemente negras y enfáticamente marrones en entornos espiritualmente
cargados. Sus pinturas son en cierto sentido íconos o puertas a lo sagrado: manifestaciones visuales atemporales
que sirven como portal al mundo creativo del artista. Cuando miras un ícono, tiene como objetivo hacerte
consciente de que estás en presencia de alguien sagrado. Tener imágenes que se parezcan a nosotros, nos honren,
nos reflejen, nos recuerden que somos sagrados.
Gerardo Castro (n. 1967 - f. 2024, Ponce, Puerto Rico, vive y trabaja en Newburgh, NY) recibió un MFA del
Pratt Institute, Brooklyn, NY (1997). Castro ha expuesto a nivel nacional e internacional, incluyendo
Cuba, Puerto Rico, República Dominicana, Budapest y las principales ciudades de Estados Unidos. Se han organizado exposiciones individuales y colectivas en las siguientes muestras de arte, galerías y museos seleccionados: Toxic Landscapes,
Biblioteca Nacional, La Habana, Cuba. Body, Bodies, Bodies SOMArts Cultural Center, San Francisco, CA.
Past, Present, Pa’ Lante, Museo de Historia de Ponce, Puerto Rico.
Contemporary Directions: Niger to Afrofuturism, Westfield State University, Westfield, MA. Water, Air, Earth, Fire - Dual Art Gallery, Budapest, Hungría. Art as RE-Existence: The Afro Puerto Rican - Museo de Historia, Antropología y Arte, San Juan, Puerto Rico. Exposición Back To School 2023-2024- Kube Art Center Beacon, NY.
Próxima exposición individual en 2024: Evidence of Things Not Seen: Buckham Gallery, Flint Michigan.
Artista participante de la 24ª Bienal de La Habana, 2024 (La Casa de África).
Publicaciones recientes, entrevistas y retiro artístico: La obra de Castro aparece en el premiado documental de formato corto Faith in Blackness de 2023, que profundiza en el vibrante tapiz de experiencias afrolatinas que exploran la espiritualidad, la fe, la resiliencia y el poder de la comunidad. Conferencista presentador en Cumbre Afro - marzo de 2024, San Juan, Puerto Rico. Verano de 2023, Artista destacado y orador del Tercer Coloquio y Seminario Internacional Tema: Regímenes visuales de esclavitud y sus vidas posteriores en el Caribe (El caso puertorriqueño). 25 de enero de 2023, Arte negro en Puerto Rico: 10 artistas afropuertorriqueños en la diáspora. Abril - mayo de 2021, Artista participante en el retiro virtual de artistas DEAR (Digital Evolution Artist Retention) en el Centro Cultural del Caribe Instituto de la Diáspora Africana (CCCADI) Nueva York, NY.
AFROTAINO 2021, Spotlight: Gerardo Castro - artículo en línea.
Brandon Clarke
Brandon Clarke vive y trabaja actualmente en Miami, Florida. Con raíces creativas como artista de segunda generación, la iniciación de Clarke en el mundo del arte comenzó en el entorno sereno de la casa de su abuela centenaria, donde pasó incontables horas perfeccionando sus habilidades junto a ella. Como su nieto y heredero de su legado artístico, Brandon heredó una rica herencia artística que lleva a cabo en sus actividades artísticas actuales. Esto solo valida su corta carrera artística con varias exposiciones individuales y consolida el premio al Mejor Expositor Nuevo 2021 otorgado por la muestra Spectrum Miami durante la Semana del Arte de Miami. El trabajo de Clarke también ha aparecido en varias publicaciones, entre ellas The Miami Herald, The Miami New Times, Artist Talk Magazine y Miami Living Magazine. Las obras de Clarke permanecen en colecciones privadas en los Estados Unidos e internacionalmente.
Mi trabajo más reciente explora los efectos personales de mi experiencia de crecer en Estados Unidos como afroamericano en relación con la identidad propia y el nivel personal de autenticidad. La obra explora técnicas innovadoras de técnica mixta sobre lienzo para expresar visualmente el aspecto más significativo de la autenticidad, es decir, la transparencia transmitida a través del material, el color y el contexto. Mi arte aprovecha la tensión física y visual entre la fragilidad y la honestidad, instando a los espectadores a buscar la autenticidad. El Miami Herald, el Miami New Times y Art Burst Miami han escrito artículos sobre i. He proporcionado los enlaces para que los disfruten.
Mi trabajo más reciente explora los efectos personales de mi experiencia de crecer en Estados Unidos como afroamericano en relación con la identidad propia y el nivel personal de autenticidad. La obra explora técnicas innovadoras de técnica mixta sobre lienzo para expresar visualmente el aspecto más significativo de la autenticidad, es decir, la transparencia transmitida a través del material, el color y el contexto. Mi arte aprovecha la tensión física y visual entre la fragilidad y la honestidad, instando a los espectadores a buscar la autenticidad. El Miami Herald, el Miami New Times y Art Burst Miami han escrito artículos sobre i. He proporcionado los enlaces para que los disfruten.
Jesse Freeman
Soy de Maryland y vivo en Tokio desde hace 14 años. Me enamoré de la literatura cuando me mudé a Japón en 2006 y eso me llevó al cine una vez que comprendí la teoría del autor. Al ver el cine como la novela de un director, la pluma como su cámara y los actores como sus personajes, llegué a comprender que el estilo y la prosa provenían del estilo general de la toma y la composición. Esto me permitió expresarme en cinco medios diferentes. El primero es la fotografía, hago principalmente películas en blanco y negro. Revelo e imprimo en el cuarto oscuro imágenes de la vida cotidiana que expongo trimestralmente. El segundo es la realización cinematográfica, he escrito y dirigido 12 cortometrajes y he realizado mis propias proyecciones en Tokio. Mis películas suelen surgir de mis propios problemas o curiosidades, más relacionadas con las teorías estéticas del cine. El tercero es el ikebana (arreglo floral japonés), he estado estudiando en la escuela de vanguardia Sogetsu durante 13 años y soy profesor de nivel maestro (Shihan). Valoro la estructuración que se aprende en el equilibrio de “shin, soe, hikae y jushi” y el espacio intermedio posterior. El cuarto es el collage que comencé a crear hace media década utilizando materiales que encuentro en los contenedores de reciclaje como una forma de expresión mucho más directa. El quinto es la confección de colchas, comencé recientemente después de ver la expresión y la historia de Gee’s Bend y desde entonces he hecho 25 colchas y sigo haciéndolas en mi Bernina. Además, escribo reseñas de arte, ensayos y mis guiones de películas. En total, básicamente tengo una idea y veo qué medio es mejor para expresarla... ofreciendo mi perspectiva.
William Kennedy
Nacido en 1987 en el sureste de Washington, DC, la creatividad de William comenzó a una edad temprana, simplemente dibujando todo lo que lo rodeaba. A la edad de 10 años, se mudó a New Bedford, MA, donde su enfoque cambió a los deportes, mientras seguía dibujando en su tiempo libre. Jugó en varios equipos deportivos, incluido el equipo universitario de baloncesto y atletismo para NB High. Más tarde asistió a la Universidad de Massachusetts Dartmouth, donde continuó su carrera deportiva. Aunque William tomó clases de arte, aquí y allá, durante sus años escolares, el arte nunca fue realmente considerado como algo más que un pasatiempo. Solo para darse cuenta de que sus talentos artísticos naturales lo llevarían al artista autodidacta que es hoy. Como artista autodidacta, se convirtió en diseñador gráfico e ilustrador independiente, trabajando como tal durante los últimos 10 años. Hace poco más de un año, incorporó la pintura contemporánea, que ahora se ha convertido en su enfoque principal. Utilizando medios, como acrílico sobre lienzo y carboncillo sobre papel, gran parte de su trabajo se centra en la cultura urbana, y cada pieza tiene su propio significado.
Entre sus logros artísticos más recientes se incluyen la colección “The Box They Tried to Put Me In”, expuesta en la galería Brick Lane de Londres (Inglaterra). La exposición “Fear to Tread” en la galería Roger That! de Bristol (RI). La exposición individual “All Roses Aren’t Red” en el Co-Creative Center de New Bedford (MA). La exposición individual “Reflections” en la galería Liberal Arts de Detroit (MI). “Looking at Black Portraiture”, actualmente expuesta en el New Bedford Art Museum de New Bedford (MA).
Con muchos años de experiencia en la industria, tiene un portafolio impresionante. Ha trabajado con varios artistas de muchas industrias, como el arte, la moda y la música, de todo el mundo. Sus colaboraciones anteriores han aparecido en la Semana de la Moda de Nueva York y en la revista Vogue. William crea continuamente nuevas ideas. Su creatividad brilla a través de su trabajo.
Entre sus logros artísticos más recientes se incluyen la colección “The Box They Tried to Put Me In”, expuesta en la galería Brick Lane de Londres (Inglaterra). La exposición “Fear to Tread” en la galería Roger That! de Bristol (RI). La exposición individual “All Roses Aren’t Red” en el Co-Creative Center de New Bedford (MA). La exposición individual “Reflections” en la galería Liberal Arts de Detroit (MI). “Looking at Black Portraiture”, actualmente expuesta en el New Bedford Art Museum de New Bedford (MA).
Con muchos años de experiencia en la industria, tiene un portafolio impresionante. Ha trabajado con varios artistas de muchas industrias, como el arte, la moda y la música, de todo el mundo. Sus colaboraciones anteriores han aparecido en la Semana de la Moda de Nueva York y en la revista Vogue. William crea continuamente nuevas ideas. Su creatividad brilla a través de su trabajo.
Rey dominicano
Mi nombre es Dominic Marquis King, nací en Las Vegas, Nevada, el 30 de octubre de 1998. Allí viví con mi madre, quien es una gran inspiración en mi vida. En mis años de juventud las cosas no siempre fueron perfectas, pero aprendí a sacar lo mejor de mi situación. Cuando era niño, mi madre trabajaba en el Boys and Girls Club; por lo tanto, siempre estaba rodeado de arte y manualidades, además de jugar al baloncesto. Dibujaba de vez en cuando, pero el baloncesto era mi foco. Alrededor de los 12 o 13 años, me estaba metiendo en problemas, así que mis padres pensaron que lo mejor para mí era mudarme con mi padre; podría tener un modelo masculino a seguir en mi vida. Me mudé a California y comencé a tomar el baloncesto más en serio. Más adelante en mi carrera universitaria, mi lado creativo comenzó a resurgir. Una vez que terminé mi carrera universitaria y me mudé a mi propio espacio, quería tener arte para mi casa, así que decidí tomar un pincel y no he mirado atrás desde entonces.
Watson Mere
Watson Mere es un artista visual y de performance galardonado que
ha exhibido su trabajo durante los últimos siete años. El trabajo de Mere ha sido
exhibido en galerías, museos y lugares, que incluyen el Barclays Center, Brooklyn, NY; Venice Art Gallery, Venecia, Italia; The Oculus en el World Trade Center, Nueva York, NY; The Billie Holiday Theatre, Brooklyn, NY; Norman Rea
Gallery, York, Reino Unido, y The Africa Center, Harlem, Nueva York. Ha ganado varios premios, incluido el haber sido beneficiario del Elizabeth Foundation For The Arts Studio Program 2022, beneficiario del Frederieke Sanders Taylor StudioProjects Fund 2023, la Mención de Honor (Artes) 2018 del Fiscal de Distrito del Condado de Kings y el Premio Jean-Michel Basquiat 2018 de Creole Image Honors. En 2018, C-Suite Quarterly eligió a Mere como NextGen 10 en filantropía, arte y cultura. Mere y su trabajo han aparecido en publicaciones y cadenas de televisión como The New York Times, The Washington Post, Vogue Magazine, Esquire Magazine, Artsy, NPR, News 12 New York, Philly Magazine, Broadway
World, The Philadelphia Inquirer, Colossal, GlobeNewswire, Nylon, C-Suite Quarterly y más.
Mere asistió a la Florida A&M University, donde recibió una licenciatura en Administración de Empresas en 2011 y una maestría en Administración de Empresas en 2015. Nació y se crió en la ciudad de Belle Glade, Florida, hijo de dos padres inmigrantes de Haití. Vive en Brooklyn, Nueva York, y tiene un estudio en The Elizabeth Foundation for the Arts en Times Square, Manhattan.
ha exhibido su trabajo durante los últimos siete años. El trabajo de Mere ha sido
exhibido en galerías, museos y lugares, que incluyen el Barclays Center, Brooklyn, NY; Venice Art Gallery, Venecia, Italia; The Oculus en el World Trade Center, Nueva York, NY; The Billie Holiday Theatre, Brooklyn, NY; Norman Rea
Gallery, York, Reino Unido, y The Africa Center, Harlem, Nueva York. Ha ganado varios premios, incluido el haber sido beneficiario del Elizabeth Foundation For The Arts Studio Program 2022, beneficiario del Frederieke Sanders Taylor StudioProjects Fund 2023, la Mención de Honor (Artes) 2018 del Fiscal de Distrito del Condado de Kings y el Premio Jean-Michel Basquiat 2018 de Creole Image Honors. En 2018, C-Suite Quarterly eligió a Mere como NextGen 10 en filantropía, arte y cultura. Mere y su trabajo han aparecido en publicaciones y cadenas de televisión como The New York Times, The Washington Post, Vogue Magazine, Esquire Magazine, Artsy, NPR, News 12 New York, Philly Magazine, Broadway
World, The Philadelphia Inquirer, Colossal, GlobeNewswire, Nylon, C-Suite Quarterly y más.
Mere asistió a la Florida A&M University, donde recibió una licenciatura en Administración de Empresas en 2011 y una maestría en Administración de Empresas en 2015. Nació y se crió en la ciudad de Belle Glade, Florida, hijo de dos padres inmigrantes de Haití. Vive en Brooklyn, Nueva York, y tiene un estudio en The Elizabeth Foundation for the Arts en Times Square, Manhattan.
B. Robert Moore
Robert Moore (nacido en 1983 en Des Moines, Iowa) es un artista multidisciplinario autodidacta que está fuertemente influenciado por eventos sociopolíticos, críticas culturales e identidad colectiva relacionadas con la experiencia afroamericana. Aunque comenzó a dibujar cuando era niño, Moore se dedicó por completo a la práctica del estudio como adulto para facilitar la curación y la rehabilitación.
Está orgulloso de ser un artista independiente que ha cultivado un público fiel en todo el mundo. Su primera exposición individual, Out the Mud, debutó en ThinkSpace en Los Ángeles en 2023. Las exposiciones colectivas recientes incluyen Operation Varsity Blues en Allouche Gallery en Nueva York y Masterpiece II en Band of Vices en Los Ángeles. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones privadas como la de la Dra. Joy Simmons, la CFP Ayesha Selden, el Dr. Michael Glassner, Wright Collection, DJ D-Nice, el músico Lil Yachty y la colección permanente del Museo de Arte e Historia de Luisiana. Ha aparecido en medios de prensa como Ebony Magazine, Design Milk y Complex.
Robert cree verdaderamente que el arte debe sentirse y no solo verse. La esperanza es que todos seamos sentidos y vistos.
Varias colecciones internacionales notables, tanto públicas como privadas, colecciones que van desde colecciones establecidas notables hasta colecciones ecológicas, incluidas, entre otras, MOAH Lancaster (Museo de Historia del Arte de Lancaster), The Des Moines Art Center (colecciones permanentes e institucionales): Butts Family Collection, Selden Collection, Joy Simmons Collection, The Wright Collection, The Glassner Collection, D-Nice, Taye Diggs, Gayle King, Taraji Henson, Edward Little Collection, Ingrid Best y muchas más...
Está orgulloso de ser un artista independiente que ha cultivado un público fiel en todo el mundo. Su primera exposición individual, Out the Mud, debutó en ThinkSpace en Los Ángeles en 2023. Las exposiciones colectivas recientes incluyen Operation Varsity Blues en Allouche Gallery en Nueva York y Masterpiece II en Band of Vices en Los Ángeles. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones privadas como la de la Dra. Joy Simmons, la CFP Ayesha Selden, el Dr. Michael Glassner, Wright Collection, DJ D-Nice, el músico Lil Yachty y la colección permanente del Museo de Arte e Historia de Luisiana. Ha aparecido en medios de prensa como Ebony Magazine, Design Milk y Complex.
Robert cree verdaderamente que el arte debe sentirse y no solo verse. La esperanza es que todos seamos sentidos y vistos.
Varias colecciones internacionales notables, tanto públicas como privadas, colecciones que van desde colecciones establecidas notables hasta colecciones ecológicas, incluidas, entre otras, MOAH Lancaster (Museo de Historia del Arte de Lancaster), The Des Moines Art Center (colecciones permanentes e institucionales): Butts Family Collection, Selden Collection, Joy Simmons Collection, The Wright Collection, The Glassner Collection, D-Nice, Taye Diggs, Gayle King, Taraji Henson, Edward Little Collection, Ingrid Best y muchas más...
Ryan Orengo Sostre
Ryan Orengo Sostre es un artista y cineasta cuyo trabajo se centra en catalogar los matices cotidianos de la vida a través de la narración de historias. Ryan se inspira en las formas de arte contemporáneo y clásico, las comunidades negras/latinas y la América urbana para expresar su anomalía visual. Las representaciones de la identidad, la familia y la emoción se destacan en la mayor parte de su trabajo. A menudo explora los aspectos ocultos, crudos y vulnerables de las instancias humanas. Ryan nació en Hato Rey, Puerto Rico y actualmente vive y trabaja entre Orlando, Florida y Baltimore, Maryland. Está disponible para trabajos y encargos en todo el mundo.
Roberto Peterson
Actualmente vive y trabaja en Lawton, OK Robert Peterson (nacido en 1981) es un artista autodidacta especializado en pintura figurativa con concentración en retratos. Sus retratos de realismo espontáneo se han exhibido y vendido en galerías de América del Norte y Europa. Peterson hizo historia en Oklahoma al convertirse en el primer afroamericano en recibir el premio al artista del año en el suroeste de Oklahoma por sus continuos esfuerzos por crear increíbles obras de arte y filantropía en 2017.
''Creo que todos los artistas visuales pasan por varias etapas en su carrera a lo largo del tiempo en las que explorarán no solo diferentes medios y temas, sino también a sí mismos. Siempre ha sido importante para mi desarrollo como artista pasar por estas etapas de exploración de mí mismo y de diferentes formas de crear porque me han impulsado a salir del otro lado como un mejor artista y persona de lo que era.''
''Inicialmente, las pinturas que creé se basaron únicamente en imágenes de archivo de celebridades que encontré en Internet. A medida que crecí como artista, también lo hizo mi deseo de ser más creativo y así comencé a fotografiar a hombres, mujeres y niños que conozco. En los últimos tres años, mis pinturas comenzaron a evolucionar y a centrarse más en la experiencia negra tal como la conozco a través de mi vida, lo que obviamente se proyecta en cada nueva obra. Mi arte es mi verdad y mi voz, refleja un lado más suave de las personas negras que a menudo no se retrata en los medios y, sin embargo, todavía encuentra una manera de mostrar nuestra fuerza y resiliencia, algo que quiero ver más en galerías y museos.
''Creo que todos los artistas visuales pasan por varias etapas en su carrera a lo largo del tiempo en las que explorarán no solo diferentes medios y temas, sino también a sí mismos. Siempre ha sido importante para mi desarrollo como artista pasar por estas etapas de exploración de mí mismo y de diferentes formas de crear porque me han impulsado a salir del otro lado como un mejor artista y persona de lo que era.''
''Inicialmente, las pinturas que creé se basaron únicamente en imágenes de archivo de celebridades que encontré en Internet. A medida que crecí como artista, también lo hizo mi deseo de ser más creativo y así comencé a fotografiar a hombres, mujeres y niños que conozco. En los últimos tres años, mis pinturas comenzaron a evolucionar y a centrarse más en la experiencia negra tal como la conozco a través de mi vida, lo que obviamente se proyecta en cada nueva obra. Mi arte es mi verdad y mi voz, refleja un lado más suave de las personas negras que a menudo no se retrata en los medios y, sin embargo, todavía encuentra una manera de mostrar nuestra fuerza y resiliencia, algo que quiero ver más en galerías y museos.
Benford Dwight Stellmacher
Benford Dwight Stellmacher, Jr. es un creativo polifacético que comenzó en sus primeros años
dibujando grafitis, caricaturas y esbozando figuras fijas por la casa en cualquier trozo de papel que pudiera encontrar. Durante más de 10 años, la herramienta creativa preferida de Benford ha sido un
ratón que ha utilizado para crear soluciones de identidad únicas a través de su negocio de diseño gráfico, Authentic DNA Studio, LLC.
En diciembre de 2018, Benford tomó pinceles y comenzó a expresar su creatividad
en un medio completamente nuevo. Utilizando principalmente acrílicos, su confianza y convicción en su obra de arte creció de manera constante a lo largo de los años, culminando en el establecimiento de su
empresa de arte homónima, B.D. Stellmacher, Jr., LLC en 2020. Su obra de arte, que abarca temas de justicia social, música, fe, educación y la experiencia negra en Estados Unidos, ha sido recibida con fervor y elogiada por su mensaje, composición, calidad y singularidad.
Benford se refiere a cada una de sus creaciones artísticas como “Conversaciones”, con la intención estratégica de que cada pieza actúe “como un catalizador independiente para un diálogo interno con el espectador”. Casi todos los días, presenta una nueva “conversación” a través del lienzo que tiene como objetivo inspirar, influir e impactar a su audiencia. Como hombre orgulloso de su fe, Ben ve sus lienzos como un púlpito, a través del cual el espíritu de Dios tiene voz para hablar a los corazones de la humanidad mientras contemplan las texturas, los patrones, los colores y la composición holística de cada pieza.
dibujando grafitis, caricaturas y esbozando figuras fijas por la casa en cualquier trozo de papel que pudiera encontrar. Durante más de 10 años, la herramienta creativa preferida de Benford ha sido un
ratón que ha utilizado para crear soluciones de identidad únicas a través de su negocio de diseño gráfico, Authentic DNA Studio, LLC.
En diciembre de 2018, Benford tomó pinceles y comenzó a expresar su creatividad
en un medio completamente nuevo. Utilizando principalmente acrílicos, su confianza y convicción en su obra de arte creció de manera constante a lo largo de los años, culminando en el establecimiento de su
empresa de arte homónima, B.D. Stellmacher, Jr., LLC en 2020. Su obra de arte, que abarca temas de justicia social, música, fe, educación y la experiencia negra en Estados Unidos, ha sido recibida con fervor y elogiada por su mensaje, composición, calidad y singularidad.
Benford se refiere a cada una de sus creaciones artísticas como “Conversaciones”, con la intención estratégica de que cada pieza actúe “como un catalizador independiente para un diálogo interno con el espectador”. Casi todos los días, presenta una nueva “conversación” a través del lienzo que tiene como objetivo inspirar, influir e impactar a su audiencia. Como hombre orgulloso de su fe, Ben ve sus lienzos como un púlpito, a través del cual el espíritu de Dios tiene voz para hablar a los corazones de la humanidad mientras contemplan las texturas, los patrones, los colores y la composición holística de cada pieza.
Philip Gabriel Steverson (nacido en 2000) es un artista interdisciplinario radicado en Phoenix, del oeste de Filadelfia, Pensilvania. Se graduó en el otoño de 2022 de la Universidad Estatal de Arizona con títulos en Diseño de Moda y Poesía. Mientras asistía a la universidad, la fascinación de Philip por la manipulación de
telas se extendió a la capacidad del artista para manipular igualmente el espacio. Este entusiasmo lo expuso al video, la escultura y la instalación que influyeron aún más en el desarrollo de su
definición de arte.
Clasificado por el "360 completo", el arte habla de un mayor compromiso de una pieza desde la perspectiva del espectador con respecto al espacio, la interpretación y el movimiento físico/incorpóreo. Su educación, que incluyó un estudio en el extranjero en Ámsterdam en 2019, lo introdujo a la noción de cómo las artes visuales pueden comunicarse sin un lenguaje verbal y teorizó las
vías a través de las cuales su trabajo podría definirse a través de la forma, la materialidad y el conceptualismo.
La documentación de sus interacciones en el estudio, sociales y ambientales se ha consolidado
dentro de los cimientos de una práctica rica en la absorción de información del pasado, el presente y el futuro. Esta documentación toma forma como una colección de citas de conversaciones,
escenas recortadas de películas o el almacenamiento de objetos encontrados en espacios interiores y exteriores. En octubre
de 2022, Philip enfrentó la pérdida inesperada de su madre, Katherine Doraella Steverson, lo que
impulsó su trabajo a equilibrar los conceptos de exploración emocional, dolor versus gracia, y
proponer la idea de que los objetos existen como rastreadores del tiempo. Al concentrarse en el uso de motivos, materiales y técnicas distintos que evocarán emociones en los espectadores, Philip identifica el propósito clave de su trabajo como la curación. A medida que su práctica artística madura, la conexión espiritual con su
madre continúa guiando la confrontación de sus emociones mientras se adapta a los cambios en su vida que
aparentemente están fuera de su control.
telas se extendió a la capacidad del artista para manipular igualmente el espacio. Este entusiasmo lo expuso al video, la escultura y la instalación que influyeron aún más en el desarrollo de su
definición de arte.
Clasificado por el "360 completo", el arte habla de un mayor compromiso de una pieza desde la perspectiva del espectador con respecto al espacio, la interpretación y el movimiento físico/incorpóreo. Su educación, que incluyó un estudio en el extranjero en Ámsterdam en 2019, lo introdujo a la noción de cómo las artes visuales pueden comunicarse sin un lenguaje verbal y teorizó las
vías a través de las cuales su trabajo podría definirse a través de la forma, la materialidad y el conceptualismo.
La documentación de sus interacciones en el estudio, sociales y ambientales se ha consolidado
dentro de los cimientos de una práctica rica en la absorción de información del pasado, el presente y el futuro. Esta documentación toma forma como una colección de citas de conversaciones,
escenas recortadas de películas o el almacenamiento de objetos encontrados en espacios interiores y exteriores. En octubre
de 2022, Philip enfrentó la pérdida inesperada de su madre, Katherine Doraella Steverson, lo que
impulsó su trabajo a equilibrar los conceptos de exploración emocional, dolor versus gracia, y
proponer la idea de que los objetos existen como rastreadores del tiempo. Al concentrarse en el uso de motivos, materiales y técnicas distintos que evocarán emociones en los espectadores, Philip identifica el propósito clave de su trabajo como la curación. A medida que su práctica artística madura, la conexión espiritual con su
madre continúa guiando la confrontación de sus emociones mientras se adapta a los cambios en su vida que
aparentemente están fuera de su control.
Musah Swala
Musah Swallah es un artista visual nacido y criado en Accra, Ghana. Actualmente, Musah vive en Brooklyn, Nueva York, y trabaja como profesor de artes visuales en Lenox Hill Neighborhood House, donde enseña a niños y adultos.
Para Musah, el arte es una herramienta de autoexpresión, de creación de conciencia y de transformación de la sociedad. Sus pinturas, esculturas, obras en técnica mixta y murales representan historias que reflejan la identidad africana, los valores culturales y la vida cotidiana. Actualmente, pinta sobre paneles de madera reutilizados, madera contrachapada, papel y lienzos para crear retratos en técnica mixta en capas. Su arte actual habla de las complejas identidades transnacionales de la diáspora africana.
En mayo de 2020, Musah completó su residencia y expuso en BronxArtSpace. También ha expuesto en Calabar Gallery (NYC), Stimson Center (DC), Vivid Gallery (DC) y Art All Night DC 2018-2020.
Para Musah, el arte es una herramienta de autoexpresión, de creación de conciencia y de transformación de la sociedad. Sus pinturas, esculturas, obras en técnica mixta y murales representan historias que reflejan la identidad africana, los valores culturales y la vida cotidiana. Actualmente, pinta sobre paneles de madera reutilizados, madera contrachapada, papel y lienzos para crear retratos en técnica mixta en capas. Su arte actual habla de las complejas identidades transnacionales de la diáspora africana.
En mayo de 2020, Musah completó su residencia y expuso en BronxArtSpace. También ha expuesto en Calabar Gallery (NYC), Stimson Center (DC), Vivid Gallery (DC) y Art All Night DC 2018-2020.
Haga clic en la imagen del artista para leer su biografía.
Obra de arte
Haga clic en la imagen del artista para leer su biografía.
Registro y condiciones
Detalles del programa ALM
The Who?
Hombres identificados de raza negra y latina entre recién nacidos y 12.º grado.
The What?
Una impresión de arte visual gratuita (8x10 o 5x7), enmarcada y enviada.
The When?
Las inscripciones públicas comienzan el 1 de septiembre y se agotan.
Formulario de pedido
Se debe completar un formulario de inscripción por separado para cada joven. En el caso de hogares con varios jóvenes, se requiere un formulario individual para cada participante.
Cada joven varón tiene derecho a recibir una copia cada dos años. El incumplimiento de estas condiciones puede dar lugar a restricciones en el acceso futuro a las obras de arte.
Los destinatarios de las obras de arte tienen expresamente prohibido vender la pieza sin el consentimiento previo por escrito de Art Like ME. Todas las obras de arte están sujetas a un período de retención obligatorio de diez años a partir de la fecha de recepción, durante el cual no se pueden vender. Cualquier posible venta de la obra de arte debe ser gestionada y aprobada por Art Like ME. El incumplimiento de estos términos puede dar lugar a acciones legales por parte de Art Like ME contra el vendedor. Al suscribirse para recibir la impresión, usted reconoce y acepta estas condiciones.
Frecuencia de impresión
Reventa de obras de arte
Inscripciones
bottom of page